[비즈한국] 作家を純粋に支援するという企画から始まった「韓国美術応援プロジェクト」が10年を迎えました。初志を貫き、これまで230名余りの作家を応援してきました。韓国内のどのメディアや文化団体、国家機関も試みたことのない唯一無二の取り組みです。その10年の粘り強さが、21世紀の韓国美術界における一つの価値として刻まれたと自負しています。それゆえ「韓国美術応援プロジェクトの10年の歴史は、韓国現代美術の流れを観察する一つの視点である」と評価されています。シーズン11では、韓国美術の新たな道を切り拓いていこうとしています。
「現代美術」という用語が一般化したのは20世紀に入ってからです。美術史においてこのカテゴリーは、形式の乱開発が招いた百貨店式の「イズム（主義）」過剰時代と言えます。前世紀に美術史に登場したイズムを大まかに数え上げるだけでも50を超えます。
これらの中で、21世紀の美術において依然として威力を発揮しているのは抽象美術とポップアートです。抽象美術はデザインとの共生関係を維持しながら新たな活路を見出しました。そのため、抽象美術の感性は現代人の生活の一部となっています。
ポップアートは、大衆文化という時代の服をまとい、この時代の美術の強力な手法として生き残りました。ポップアートは1950年代に英国で始まり、米国で結実した具象美術です。ルネサンス以降、西洋美術は「新しさ」を最高の価値としてきました。それは「発展」という名の下に、どんなことをしても許容されました。ポップアートはまさにこの「発展」と「新しさ」を武器に、大衆の情緒を芸術の領域へと引き上げたのです。
ポップアートが美的論理としたのは、「芸術とは大衆全員が共に享受すべきもの」という考え方でした。誰もが芸術作品を所有し楽しむためには、それだけ身近で価格も安くなければなりません。芸術を安く、身近にする方法は「模倣」「借用」「複製」といった技法です。
これに伴い、ポップアートではこの世に一つしかないオリジナルの芸術はもはや価値がなく（芸術の唯一性の否定）、独創的な芸術もまた時代精神にそぐわないと主張します（芸術の独創性の否定）。
ポップアートでは唯一性や独創性を否定する代わりに、大衆文化のスター、消費を促進する商業広告のイメージ、現代生活を便利にする日用品、漫画や新聞といったマスメディアを崇拝します。したがって、ポップアートの作家たちは、芸術とは作家の苦悩に満ちた精神的な結晶として「創造」されるものではなく、容易に複製され大量生産されるべきだと考えるのです。
こうした対象の中でも、漫画のイメージは多くの作家にとって制作のモチーフとなってきました。ディズニーの漫画や日本のアニメーションがその代表例です。例えば、私たちに馴染み深いドナルドダックやミッキーマウス、トムとジェリー、あるいはアトムやドラゴンボールといった漫画のイメージがそうです。韓国の作家の中にも、こうしたイメージを用いて自身のポップアートの領域を確立した作家が少なくありません。
キム・インもまた、そのような作家の一人です。彼はこの時代のスーパーヒーローのイメージを作品のモチーフにします。スーパーマンやアトムは作家が好むイメージです。特にアトムの拳のイメージを自身の絵画言語として開拓し、注目を集めています。
彼の作品は、アトムの拳が繰り返され、画面を埋め尽くします。華やかな色彩で視線を引きつけることも彼の作品の魅力です。彼はこれを通じて「自身の苦難に満ちた人生の旅路をアトムの拳に投影している」と語ります。彼がアトムのイメージに見出したのは、困難を乗り越える勇気、あるいは力なのです。